Musique

La musique est une forme d’art et une activité culturelle dont le médium est bien organisé dans le temps. Les éléments communs de la musique sont la hauteur(qui régit la mélodie et l’ harmonie ), le rythme (et ses concepts associés: tempo , mètre et articulation ), la dynamique (loudness et douceur) et les qualités sonores du timbre et de la texture . “couleur” d’un son musical). Différents styles ou types de musique peuvent accentuer, minimiser ou omettre certains de ces éléments. La musique est réalisée avec une vaste gamme d’ instrumentset des techniques vocales allant du chant au rap ; il y a seulement des pièces instrumentales , uniquement des pièces vocales (comme des chansons sans accompagnement instrumental ) et des pièces qui combinent le chant et les instruments. Le mot dérive du grec μουσική ( mousike , “l’art des muses “).

Dans sa forme la plus générale, les activités décrivant la musique comme une forme d’art ou une activité culturelle comprennent la création d’œuvres musicales (chansons, airs, symphonies , etc.), la critique de la musique , l’ étude de l’histoire de la musique et l’ examen esthétique de la musique . Les philosophes grecset indiens ont défini la musique comme des tons ordonnés horizontalement comme des mélodies et verticalement comme des harmonies. Les expressions courantes telles que «l’ harmonie des sphères » et «c’est de la musique à mes oreilles» indiquent que la musique est souvent ordonnée et agréable à écouter. Cependant, John Cage, compositeur du XXe sièclepensé que tout son peut être de la musique, en disant, par exemple, “Il n’y a pas de bruit , seulement le son.” [2]

La création, la performance, la signification, et même la définition de la musique varient selon la culture et le contexte social. En effet, tout au long de l’ histoire, de nouvelles formes ou styles de musique ont été critiqués comme « ne pas être la musique », dont Beethoven de la Grosse Fuge quatuor à cordes en 1825, [3]au début du jazz au début des années 1900 [4] et le punk hardcore dans les années 1980. [5] Il existe de nombreux types de musique, y compris la musique populaire , la musique traditionnelle , la musique de l’ art , la musique écrite pour les cérémonies religieuses et chants de travailtels que chanteys . La musique va de compositions telles que strictement organisées symphonies de musique classique des années 1700 et 1800, jusqu’à spontanément joué la musique d’ improvisation , comme le jazz , et d’ avant-garde styles de base hasard, la musique contemporaine du 20e et 21e siècles.

La musique peut être divisée en genres (par exemple, musique country ) et les genres peuvent être divisés en sous-genres (par exemple, country blues et pop country sont deux des nombreux sous-genres), bien que les lignes et les relations entre les genres musicaux soient souvent subtiles. parfois ouvert à l’interprétation personnelle, et parfois controversé. Par exemple, il peut être difficile de tracer une ligne entre le hard rock et le heavy metal au début des années 1980 . Dans les arts , la musique peut être classée comme un art du spectacle , un art ou un art auditif. La musique peut être jouée ou chantée et entendue en direct lors d’un concert de rockou performance d’orchestre, entendue en direct dans le cadre d’une œuvre dramatique ( spectacle de théâtre musical ou opéra), ou enregistrée et écoutée sur une radio, un lecteur MP3, un lecteur de CD , un smartphone ou une partition de film ou une émission de télévision.

Dans de nombreuses cultures, la musique est une partie importante du mode de vie des gens, car il joue un rôle clé dans les rituels religieux , rite de passage des cérémonies (par exemple, obtention du diplôme et de mariage), des activités sociales (par exemple, danse ) et des activités culturelles allant de l’ amateur karaoké chantant dans un groupe de funk amateur ou chantant dans une choralecommunautaire . Les gens peuvent faire de la musique comme passe-temps, comme un adolescent jouant du violoncelle dans un orchestre de jeunes , ou travailler comme musicien ou chanteur professionnel. L’ industrie de la musiquecomprend les personnes qui créent de nouvelles chansons et pièces musicales (comme les auteurs – compositeurs et compositeurs), les personnes qui jouent de la musique (qui comprennent orchestre, jazz band et musiciens rock band, chanteurs et chefs d’ orchestre), les personnes qui enregistrer de la musique (producteurs de musique et ingénieurs du son ) les personnes qui organisent des tournées de concerts et les particuliers qui vendent des enregistrements, des partitions et des partitions aux clients.

Étymologie

Le mot dérive du grec μουσική ( mousike , “l’art des muses “). [1] Dans la mythologie grecque , les neuf muses étaient les déesses qui inspiraient la littérature, la science et les arts et qui étaient la source des connaissances incarnées dans la poésie, les paroles de chansons et les mythes de la culture grecque. Selon le dictionnaire étymologique en ligne , le terme “musique” dérive de “mid-13c., Musike, de l’ ancienne musique française (12c.) Et directement de latin musica” l’art de la musique “, y compris la poésie (aussi ] source de musica espagnole , italiennemusica , ancien haut allemand mosica , allemand Musik , néerlandais muziek , danois musik ). “Ceci est dérivé du” … grec mousike (technè) “(art) des Muses,” de fem. de mousikos “appartenant aux Muses”, de Mousa “Muse” (voir muse (n.)). Orthographe moderne [dates] de [les] années 1630. Dans la Grèce classique , [le terme “musique” désigne tout art dans lequel les Muses ont présidé, mais surtout la musique et la poésie lyrique . ” [6]

Comme une forme d’art ou de divertissement

La musique est composée et interprétée à de nombreuses fins, allant du plaisir esthétique, à des fins religieuses ou cérémonielles, ou en tant que produit de divertissement pour le marché. Lorsque la musique n’était disponible que grâce à des partitions, comme aux époques classique et romantique, les mélomanes achetaient les partitions de leurs morceaux et chansons préférés pour pouvoir les jouer à la maison au piano. Avec l’avènement de l’enregistrement sonore, les disques de chansons populaires, plutôt que les partitions, devinrent la façon dominante pour les mélomanes de profiter de leurs chansons préférées. Avec l’avènement des magnétophones à domicile dans les années 1980 et de la musique numérique dans les années 1990, les mélomanes pouvaient faire des cassettes ou des playlistsde leurs chansons préférées et les emmener avec eux sur un lecteur de cassettes portable ou un lecteur MP3. Certains mélomanes créent des cassettes mixées de leurs chansons préférées, qui servent «d’autoportrait, de geste d’amitié, de prescription d’une fête idéale … [et] d’un environnement constitué uniquement de ce qui est le plus aimé». [7]

Les musiciens amateurs peuvent composer ou jouer de la musique pour leur propre plaisir et tirer leurs revenus ailleurs. Les musiciens professionnels sont employés par diverses institutions et organisations, notamment des forces armées ( fanfares , orchestres de concert et groupes de musique populaire), des églises et des synagogues, des orchestres symphoniques, des sociétés de diffusion ou de cinéma et des écoles de musique . Les musiciens professionnels travaillent parfois comme pigistes ou musiciens de session , cherchant des contrats et des engagements dans divers contextes. Il y a souvent beaucoup de liens entre musiciens amateurs et professionnels. Début des musiciens amateurs prennent des leçonsavec des musiciens professionnels. Dans la communauté, les musiciens amateurs avancés jouer avec des musiciens professionnels dans divers ensembles tels que la communauté des bandes de concert et orchestres communautaires.

Une distinction est souvent faite entre la musique exécutée pour un public en direct et la musique qui est exécutée dans un studio afin qu’elle puisse être enregistrée et distribuée par le biais du système de vente au détail de musique ou du système de diffusion. Cependant, il existe également de nombreux cas où une performance en direct devant un public est également enregistrée et distribuée. Les enregistrements de concerts en direct sont populaires à la fois dans la musique classique et dans les formes de musique populaire telles que le rock, où les concerts en direct illégalement enregistrés sont prisés par les mélomanes. Dans la scène du groupe de jam , les sessions de jam improvisées en direct sont préférées aux enregistrements en studio.

Composition

“Composition” est l’acte ou la pratique de la création d’une chanson, d’un morceau de musique instrumentale , d’une œuvre à la fois chantée et instrumentale, ou d’un autre type de musique. Dans de nombreuses cultures, y compris la musique classique occidentale, l’acte de composer comprend également la création d’une notation musicale , telle qu’une «partition» de partition , qui est ensuite jouée par le compositeur ou par d’autres chanteurs ou musiciens. Dans la musique populaire et la musique traditionnelle, l’acte de composer, qu’on appelle typiquement l’écriture de chansons, peut impliquer la création d’une ébauche de base de la chanson, appelée la feuille principale , qui énonce la mélodie , les paroles et la progression d’accords . Dans la musique classique, le compositeur typiquementorchestre ses propres compositions, mais dans le théâtre musical et dans la musique pop, les auteurs-compositeurs peuvent engager un arrangeur pour faire l’orchestration. Dans certains cas, un auteur-compositeur peut ne pas utiliser de notation du tout et composer plutôt la chanson dans son esprit, puis la lire ou l’enregistrer de mémoire. Dans le jazz et la musique populaire, les enregistrements notables d’artistes influents ont le poids que les partitions écrites jouent dans la musique classique.

Même lorsque la musique est notée relativement précisément, comme dans la musique classique, il y a beaucoup de décisions qu’un interprète doit prendre, parce que la notation ne spécifie pas tous les éléments de la musique avec précision. Le processus consistant à décider comment interpréter une musique composée et notée précédemment s’appelle «interprétation». Les différentes interprétations d’un même travail musical peuvent varier considérablement, en termes de tempos choisis et de style de jeu ou de chant ou de phrasé des mélodies. Les compositeurs et les auteurs-compositeurs qui présentent leur propre musique interprètent leurs chansons, tout autant que ceux qui interprètent la musique des autres. Le corpus standard de choix et de techniques présents à un moment donné et à un endroit donné est appelé pratique de performance, alors que l’interprétation est généralement utilisée pour désigner les choix individuels d’un artiste. [la citation nécessaire ]

Même si une composition musicale utilise souvent la notation musicale et a un seul auteur, ce n’est pas toujours le cas. Un travail de musique peut avoir plusieurs compositeurs, ce qui arrive souvent dans la musique populaire quand un groupe collabore pour écrire une chanson, ou dans un théâtre musical, quand une personne écrit les mélodies, une deuxième personne écrit les paroles et une troisième personne orchestre les chansons. . Dans certains styles de musique, comme le blues , un compositeur / compositeur peut créer, interpréter et enregistrer de nouvelles chansons ou pièces sans jamais les noter en notation musicale. Un morceau de musique peut également être composé de mots, d’images ou de programmes informatiques qui expliquent ou notent comment le chanteur ou le musicien doit créer des sons musicaux. Les exemples vont de la musique d’avant-garde qui utilisenotation graphique , à des compositions de texte telles que Aus den sieben Tagen , à des programmes informatiques qui sélectionnent des sons pour des pièces musicales. La musique qui fait un usage intensif du hasard et de la chance est appelée musique aléatoire , et est associée à des compositeurs contemporains actifs au 20ème siècle, tels que John Cage , Morton Feldman et Witold Lutosławski . Un exemple plus communément connu de musique basée sur le hasard est le son des carillons éoliens qui se bousculent dans une brise.

L’étude de la composition est traditionnellement dominée par l’ examen des méthodes et de la pratique de la musique classique occidentale, mais la définition de la composition est suffisamment large pour inclure la création de la musique populaire et musique traditionnelle chansons et pièces instrumentales ainsi que spontanément improvisées œuvres comme celles de des artistes de free jazz et des percussionnistes africains comme les batteurs Ewe .

Notation

Dans les années 2000, la notation musicale signifie généralement l’expression écrite des notes de musique et des rythmes sur papier en utilisant des symboles. Lorsque la musique est écrite, les hauteurs et le rythme de la musique, tels que les notes d’une mélodie , sont notés. La notation musicale fournit également souvent des instructions sur la façon d’exécuter la musique. Par exemple, la partition d’une chanson peut indiquer que la chanson est un “slow blues” ou un “swing rapide”, ce qui indique le tempo et le genre. Pour lire la notation musicale, une personne doit avoir une compréhension de la théorie musicale , de l’ harmonie et de la pratique de la performance associée à une chanson ou à un genre particulier.

La notation écrite varie avec le style et la période de la musique. Dans les années 2000, la musique notée est produite sous forme de partitions ou, pour les personnes ayant des programmes de machine à écrire , comme une image sur un écran d’ordinateur . Dans les temps anciens, la notation musicale était placée sur des tablettes de pierre ou d’argile. Pour jouer de la musique à partir de la notation, un chanteur ou un instrumentiste nécessite une compréhension des éléments rythmiques et de hauteur incarnés dans les symboles et la pratique de performance associée à un morceau de musique ou à un genre. Dans les genres nécessitant une improvisation musicale , l’interprète joue souvent de la musique où seul l’ accord changeet la forme de la chanson est écrite, exigeant que l’interprète ait une grande compréhension de la structure de la musique, de l’harmonie et des styles d’un genre particulier (par exemple, le jazz ou la musique country ).

Dans la musique d’art occidentale, les types les plus courants de notation écrite sont les partitions, qui incluent toutes les parties musicales d’une pièce d’ensemble, et les parties, qui sont la notation musicale pour les interprètes individuels ou les chanteurs. Dans la musique populaire, le jazz et le blues, la notation musicale standard est la partition principale , qui note la mélodie, les accords, les paroles(s’il s’agit d’une pièce vocale) et la structure de la musique. Les faux livres sont également utilisés dans le jazz; ils peuvent être constitués de feuilles de plomb ou simplement de tableaux d’accords, ce qui permet aux membres de la section rythmique d’improviser une partie d’ accompagnement de chansons de jazz. Les partitions et les parties sont également utilisées dans la musique populaire et le jazz, en particulier dans les grands ensembles tels que les grands groupes de jazz .”Dans la musique populaire, les guitaristes et les bassistes lisent souvent de la musique notée en tablature (souvent abrégée en” tab “), qui indique l’emplacement des notes à jouer sur l’instrument en utilisant un schéma de la guitare ou de la basse. a également été utilisé à l’époque baroque pour noter la musique pour le luth , un instrument à cordes, fretté.

Improvisation

L’improvisation musicale est la création de musique spontanée, souvent à l’intérieur (ou basée sur) un cadre harmonique préexistant ou une progression d’accords. L’improvisation est l’acte de la composition instantanée par les artistes, où les techniques de composition sont employées avec ou sans préparation. L’improvisation est une partie importante de certains types de musique, tels que le blues , le jazz et le jazz fusion , dans lesquels les interprètes instrumentaux improvisent des solos, des lignes mélodiques et des parties d’accompagnement. Dans la tradition musicale de l’art occidental, l’improvisation était une compétence importante à l’époque baroque et à l’époque classique. À l’époque baroque, artistes improvisés ornements et basso continuo claviéristes improvisés voicingsbasé sur la notation basse figurée . À l’époque classique, les solistes et les chanteurs ont improvisé des cadences de virtuoses pendant les concerts. Cependant, au XXe et au début du XXIe siècle, en tant que «pratique courante», la musique de l’art occidental s’est institutionnalisée dans les orchestres symphoniques, les opéras et les ballets, l’improvisation a joué un rôle moins important. Dans le même temps, certains compositeurs modernes ont de plus en plus inclus l’improvisation dans leur travail créatif. Dans la musique classique indienne , l’improvisation est un élément central et un critère essentiel des performances.

Theorie

La théorie musicale englobe la nature et la mécanique de la musique. Il s’agit souvent d’identifier les modèles qui régissent les techniques des compositeurs et d’examiner le langage et la notation de la musique. Dans un sens large, la théorie de la musique distille et analyse les paramètres ou les éléments de la musique – rythme, harmonie ( fonction harmonique ), mélodie , structure, forme et texture . De manière générale, la théorie musicale peut inclure n’importe quelle déclaration, croyance ou conception de ou sur la musique. [8] Les personnes qui étudient ces propriétés sont connues comme des théoriciens de la musique. Certains ont appliqué l’ acoustique , la physiologie humaine etla psychologie à l’explication du comment et pourquoi la musique est perçue .

Éléments

La musique a beaucoup de fondements ou d’éléments différents. Selon la définition de «élément» utilisée, elles peuvent inclure: hauteur, battement ou pulsation, tempo, rythme, mélodie, harmonie, texture, style, allocation de voix, timbre ou couleur, dynamique, expression, articulation, forme et structure . Les éléments de la musique figurent en bonne place dans les programmes de musique de l’Australie, du Royaume-Uni et des États-Unis. Les trois programmes d’études identifient la hauteur, la dynamique, le timbre et la texture comme des éléments, mais les autres éléments identifiés de la musique sont loin d’être universellement acceptés. Voici une liste des trois versions officielles des “éléments de la musique”:

• Australie: hauteur, timbre, texture, dynamique et expression, rythme, forme et structure. [9]
• Royaume-Uni: hauteur, timbre, texture, dynamique, durée, tempo, structure. [dix]
• USA: hauteur, timbre, texture, dynamique, rythme, forme, harmonie, style / articulation. [11]

En ce qui concerne le programme d’études britannique, en 2013, le terme « notations musicales appropriées » a été ajouté à leur liste d’éléments et le titre de la liste est passé des «éléments de musique» aux «dimensions interdépendantes de la musique». Les dimensions interdépendantes de la musique sont listées comme: hauteur, durée, dynamique, tempo, timbre, texture, structure et notations musicales appropriées. [12]

L’expression “les éléments de la musique” est utilisée dans un certain nombre de contextes différents. Les deux contextes les plus communs peuvent être différenciés en les décrivant comme les «éléments rudimentaires de la musique» et les «éléments perceptuels de la musique».

Eléments rudimentaires

Dans les années 1800, les expressions «les éléments de la musique» et «les rudiments de la musique» ont été utilisés de façon interchangeable. [13] [14] Les éléments décrits dans ces documents se réfèrent à des aspects de la musique qui sont nécessaires pour devenir musicien. Les auteurs récents comme Estrella [15] semblent utiliser l’expression “éléments de musique” d’une manière similaire. . Une définition qui reflète le mieux cet usage est: «les principes rudimentaires d’un art, d’une science, etc.: les éléments de la grammaire». [16] Le passage du curriculum britannique aux «dimensions interdépendantes de la musique» semble être un retour à l’utilisation des éléments rudimentaires de la musique.

Éléments perceptuels

Depuis l’émergence de l’étude de la psychoacoustique dans les années 1930, la plupart des listes d’éléments de musique ont davantage trait à la façon dont nous entendons la musique qu’à la façon dont nous apprenons à la jouer ou à l’étudier. CE Seashore, dans son livre Psychology of Music , [17]identifié quatre “attributs psychologiques du son”. Celles-ci étaient: “hauteur, volume, temps et timbre” (page 3). Il ne les appelait pas les «éléments de la musique» mais les appelait «éléments élémentaires» (p.2). Néanmoins, ces éléments élémentaires se lient précisément à quatre des éléments musicaux les plus courants: «Pitch» et «Timbre» correspondent exactement, «loudness» correspond à la dynamique et «time» aux éléments temporels du rythme, de la durée et du tempo. Cet usage de l’expression “les éléments de la musique” est plus étroitement lié à la définition du dictionnaire du 20ème siècle de Webster d’un élément comme: “une substance qui ne peut pas être divisée en une forme plus simple par des méthodes connues”

Les auteurs de listes d’éléments rudimentaires de la musique varient leurs listes en fonction de leurs priorités personnelles. Cependant, en ce qui concerne les éléments perceptifs de la musique, il devrait être possible d’identifier une liste d’éléments discrets qui peuvent être manipulés indépendamment pour obtenir un effet musical voulu. Il semble à ce stade qu’il y ait encore des recherches à faire dans ce domaine.

Analyse des styles

Certains styles de musique mettent l’accent sur certains de ces fondamentaux, tandis que d’autres mettent moins l’accent sur certains éléments. Pour donner un exemple, alors que Bebop -era jazz utilise des accords très complexes, incluant des dominants altérés et des progressions d’accords difficiles , avec des accords changeant deux fois ou plus par barre et des touches changeant plusieurs fois dans une mélodie, le funk met l’accent sur rythme et groove , avec des chansons entières autour d’un vampsur un seul accord. Alors que la musique classique de l’époque romantique du milieu jusqu’au début des années 1800 utilise des changements de dynamique dramatiques, allant des sections pianissimo chuchotant aux sections fortissimo tonitruantes, certaines suites de clavecin baroques du début des années 1700 peuvent utiliser une seule dynamique. Pour donner un autre exemple, alors que certaines pièces de musique d’art , telles que les symphonies sont très longues, certaines chansons pop ne durent que quelques minutes.

Description des éléments

Pitch et mélodie

Le pitch est un aspect d’un son que l’on peut entendre, reflétant si un son, une note ou un son musical est “supérieur” ou “inférieur” à un autre son, note ou son musical. On peut parler de la hauteur ou de la bassesse de la tonalité au sens le plus général, comme la façon dont un auditeur entend une note piccolo perçante ou un sifflement plus haut en hauteur qu’une grosse caisse de grosse caisse . On parle aussi de pitch dans le sens précis associé aux mélodies musicales , basslines et accords. La hauteur précise ne peut être déterminée que dans des sons dont la fréquence est suffisamment claire et stable pour être distinguée du bruit. Par exemple, il est beaucoup plus facile pour les auditeurs de discerner la hauteur d’une seule note jouée sur un piano que d’essayer de discerner la hauteur d’une cymbale crash qui est frappée.

Une mélodie (aussi appelée “mélodie”) est une série de sons (notes) qui sonnent successivement (les uns après les autres), souvent en un motif qui monte et qui descend. Les notes d’une mélodie sont généralement créées à l’aide de systèmes de hauteur tels que des échelles ou des modes . Les mélodies contiennent aussi souvent des notes des accords utilisés dans la chanson. Les mélodies dans les chansons folkloriques simples et les chansons traditionnelles peuvent utiliser seulement les notes d’une seule échelle, l’échelle associée à la note tonique ou la clé d’une chanson donnée. Par exemple, une chanson folklorique dans la tonalité de Do (aussi appelée Do majeur) peut avoir une mélodie qui n’utilise que les notes de l’échelle Do majeur (les notes individuelles C, D, E, F, G, A, B et C: ce sont les ” notes blanches “«Sur un clavier de piano, le Bebop -era jazz des années 1940 et la musique contemporaine des XXe et XXIe siècles peuvent utiliser des mélodies avec de nombreuses notes chromatiques (c.-à-d. des notes en plus des notes de la gamme majeure). piano, une gamme chromatique inclurait toutes les notes sur le clavier, y compris les “notes blanches” et “notes noires” et les échelles inhabituelles, telles que l’ échelle de tonalité entière (une tonalité entière dans la touche de C contiendrait les notes C , D, E, F ♯ , G ♯ et A ♯ .) Une ligne musicale basse et profonde jouée par des instruments de basse tels que la contrebasse, la basse électrique ou le tuba s’appelle une ligne de basse .

Harmonie et accords

L’harmonie fait référence aux sons «verticaux» des sons dans la musique, ce qui signifie que les sons sont joués ou chantés ensemble en même temps pour créer un accord . Habituellement, cela signifie que les notes sont jouées en même temps, bien que l’harmonie puisse aussi être impliquée par une mélodie qui définit une structure harmonique (en utilisant des notes mélodiques jouées les unes après les autres, en soulignant les notes d’un accord). Dans la musique écrite en utilisant le système de tonalité majeur-mineur (“keys”), qui comprend la plupart des musiques classiques écrites de 1600 à 1900 et la plupart des musiques pop, rock et traditionnelles occidentales, la clé d’une pièce détermine l’échelle utilisée. la “note de maison” ou toniquede la clé. Des morceaux classiques simples et de nombreuses chansons de musique pop et traditionnelle sont écrites de sorte que toute la musique se trouve dans une seule touche. Plus complexes Les morceaux de musique classiques, pop et traditionnels peuvent avoir deux touches (et dans certains cas, trois touches ou plus). La musique classique de l’époque romantique (écrite vers 1820-1900) contient souvent plusieurs clés, tout comme le jazz , en particulier le jazz Bebop des années 1940, dans lequel la note principale d’une chanson peut changer tous les quatre bars ou même tous les deux barres.

Rythme

Le rythme est l’arrangement des sons et des silences dans le temps. Meter anime le temps en groupements d’impulsions régulières, appelés mesures ou mesures , qui dans la musique classique, populaire et traditionnelle occidentale regroupent souvent les notes en groupes de deux (par exemple, 2/4), trois (p. Ex. Temps de valse , ou 3/8 temps), ou quatre (par exemple, temps 4/4). Les compteurs sont plus faciles à entendre parce que les chansons et les pièces mettent souvent (mais pas toujours) l’accent sur le premier temps de chaque groupe. Des exceptions notables existent, comme le backbeat utilisé dans beaucoup de pop et de rock occidental, dans lequel une chanson qui utilise une mesure qui se compose de quatre temps (appelé temps 4/4 ou temps commun)) aura des accents sur les temps deux et quatre, qui sont typiquement joués par le batteur sur la caisse claire , un instrument de percussion fort et distinctif. Dans la pop et le rock, les parties rythmiques d’une chanson sont jouées par la section rythmique , qui comprend des instruments de corde (guitare électrique, guitare acoustique, piano ou autres instruments à clavier), un instrument de basse (basse électrique ou certains styles tels que le jazz et le bluegrass , la contrebasse) et un kit de batterie.

Texture

Texture musicaleest le son général d’un morceau de musique ou d’une chanson. La texture d’une pièce ou d’un chant est déterminée par la manière dont les matériaux mélodiques, rythmiques et harmoniques sont combinés dans une composition, déterminant ainsi la nature globale du son dans une pièce. La texture est souvent décrite en termes de densité ou d’épaisseur, et de largeur, entre les hauteurs les plus basses et les plus hautes, en termes relatifs, et plus précisément en fonction du nombre de voix ou de parties et de la relation entre ces voix (Voir les types communs ci-dessous). Par exemple, une texture épaisse contient de nombreuses «couches» d’instruments. Une de ces couches pourrait être une section de cordes, ou un autre laiton. L’épaisseur est également affectée par la quantité et la richesse des instruments. La texture est généralement décrite en fonction du nombre et de la relation entreparties ou lignes de musique:

• monophonie : une seule mélodie (ou “mélodie”) sans accompagnement instrumental ni partie d’harmonie . Une mère qui chante une berceuse à son bébé serait un exemple.
• hétérophonie : deux ou plusieurs instruments ou chanteurs jouant / chantant la même mélodie, mais avec chaque interprète variant légèrement le rythme ou la vitesse de la mélodie ou ajoutant des ornements différents à la mélodie. Deux violonistes bluegrass jouant la même mélodie de violon traditionnel varieront chacun un peu la mélodie et chacun ajoutera des ornements différents.
• polyphonie : plusieurs lignes mélodiques indépendantes qui s’entremêlent, qui sont chantées ou jouées en même temps. La musique chorale écrite à l’ époque de la musique de la Renaissance était généralement écrite dans ce style. Un tour , qui est une chanson comme ” Row, Row, Row Your Boat “, que différents groupes de chanteurs commencent à chanter à un moment différent, est un exemple simple de polyphonie.
• homophonie : une mélodie claire soutenue par un accompagnement de cordes . La plupart des chansons de musique populaire occidentale du 19ème siècle sont écrites dans cette texture.

On dit généralement que la musique qui contient un grand nombre de parties indépendantes (par exemple, un double concerto accompagné de 100 instruments d’orchestre avec beaucoup de lignes mélodiques entrelacées) a une texture plus “épaisse” ou “plus dense” qu’un travail avec peu de parties (p. mélodie de flûte solo accompagnée d’un seul violoncelle).

Timbre ou “couleur de ton”

Timbre, parfois appelé “couleur” ou “couleur de ton” est la qualité ou le son d’une voix ou d’un instrument. [19] Timbre est ce qui différencie un son musical particulier d’un autre, même quand ils ont la même hauteur et le même volume. Par exemple, une note de 440 Hz A semble différente lorsqu’elle est jouée sur un hautbois , un piano, un violon ou une guitare électrique. Même si différents joueurs du même instrument jouent la même note, leurs notes peuvent sembler différentes en raison des différences de technique instrumentale (par exemple, différentes embouchures ), de différents types d’accessoires (embouchures pour cuivres, anches pour hautbois et basson) ou des cordes faites de différents matériaux pour les joueurs de cordes (par exemple, les cordes en boyau contre les cordes en acier). Même deux instrumentistes jouant la même note sur le même instrument (l’un après l’autre) peuvent sembler différents en raison des différentes façons de jouer de l’instrument (par exemple, deux joueurs à cordes peuvent tenir l’arc différemment).

Les caractéristiques physiques du son qui déterminent la perception du timbre comprennent le spectre , l’ enveloppe et les harmoniques d’une note ou d’un son musical. Pour électriques instruments développés au 20ème siècle, tels que la guitare électrique, basse électrique et piano électrique , l’interprète peut aussi changer le ton en ajustant les commandes de l’ égaliseur , les contrôles de tonalité sur l’instrument, et en utilisant des unités d’effets électroniques tels que distorsion pédales. Le ton de l’ orgue électrique Hammond est contrôlé par le réglage des tirettes .

Expression

Les qualités expressives sont les éléments de la musique qui créent un changement de la musique sans changer les principales notes ou en modifiant sensiblement les rythmes de la mélodie et de son accompagnement. Les interprètes, y compris les chanteurs et les instrumentistes, peuvent ajouter une expression musicale à une chanson ou un morceau en ajoutant des phrasés , en ajoutant des effets tels que le vibrato (avec la voix et certains instruments tels que guitare, violon, cuivres et bois). la douceur de la pièce ou une section de celle-ci), les fluctuations de tempo (par exemple, ritardando ou accelerando , qui sont respectivement ralentir et accélérer le tempo), en ajoutant des pauses ou des fermatas sur une cadence, et en changeant l’articulation des notes (par exemple, en rendant les notes plus prononcées ou accentuées, en rendant les notes plus legato , ce qui signifie en douceur, ou en rendant les notes plus courtes).

L’expression est obtenue par la manipulation de la hauteur (comme l’inflexion, le vibrato, les diapositives etc.), le volume (dynamique, accent, trémolo etc.), la durée (fluctuations du tempo, changements rythmiques, changement de durée des notes comme legato et staccato, etc. .), le timbre (par exemple changer le timbre vocal d’une voix légère à une voix résonnante) et parfois même la texture (par exemple doubler la note de basse pour un effet plus riche dans une pièce de piano). Il peut donc être vu comme une manipulation de tous les éléments afin de transmettre “une indication d’humeur, d’esprit, de caractère etc.” [20] et en tant que tel ne peut pas être inclus comme un élément perceptif unique de la musique, [21] bien qu’il puisse être considéré comme un élément important rudimentaire.

Forme

En musique, la forme décrit la structure générale ou le plan d’une chanson ou d’un morceau de musique, [22] et décrit la disposition d’une composition comme divisée en sections. [23] Au début du 20ème siècle, les chansons de Tin Pan Alley et les chansons musicales de Broadway étaient souvent dans la barre AABA 32 , où les sections A ont répété la même mélodie de huit barres et la section B ont fourni une mélodie contrastée. barres. À partir des années 1960, les chansons pop et rock occidentales sont souvent en forme de couplet-chœur, qui est basé sur une séquence de sections de vers et de refrain («refrain»), avec de nouvelles parolespour la plupart des vers et répéter les paroles pour les refrains. La musique populaire utilise souvent la forme strophique , parfois en conjonction avec les douze barres de blues .

Dans la dixième édition de The Oxford Companion to Music , Percy Scholes définit la forme musicale comme «une série de stratégies visant à trouver un moyen efficace entre les extrêmes opposés d’une répétition ininterrompue et d’une altération ininterrompue». [24] Les exemples de formes communes de musique occidentale incluent la fugue , l’ invention , le sonata-allegro , le canon , le strophic , le thème et les variations , et le rondo . Scholes déclare que la musique classique européenne n’avait que six formes autonomes: simple binaire, simple ternaire, composé binaire, rondo, air avec variations, et fugue(bien que le musicologue Alfred Mann ait souligné que la fugue est avant tout une méthode de composition qui a parfois pris certaines conventions structurelles [25] )

Lorsqu’une pièce ne peut pas être facilement divisée en unités de section (bien qu’elle puisse emprunter une certaine forme d’un poème, d’une histoire ou d’un programme ), on dit qu’elle est entièrement composée . Tel est souvent le cas avec une fantaisie , prélude , rhapsodie , étude (ou étude), poème symphonique , Bagatelle , impromptu , etc. [la citation nécessaire ] Le professeur Charles Keil a classé les formes et les détails formels comme «sectionnel, développemental ou variationnel». [26]

Forme sectionnelle

Ce formulaire est construit à partir d’ une séquence d’unités claires coupe [27] qui peuvent être visés par des lettres , mais ont souvent des noms génériques tels que l’ introduction et la coda , exposition, développement et réexposition , couplet, refrain ou ne pas , et le pont . Les introductions et les codas, lorsqu’elles ne sont rien de plus, sont souvent exclues de l’analyse formelle. Toutes ces unités peuvent généralement avoir une longueur de huit mesures. Les formes sectionnelles comprennent:

Forme strophique

Cette forme est définie par sa “répétition ininterrompue” ( AAAA …).

Mélange

Medley , pot – pourri est l’extrême opposé, celui de «variation non-résolue»: il s’agit simplement d’une suite indéfinie de sections autonomes ( ABCD …), parfois avec des répétitions ( AABBCCDD …). Les exemples incluent des ouvertures orchestrales , qui ne sont parfois pas plus d’une chaîne des meilleurs airs du spectacle de théâtre musical ou de l’opéra à venir.

Forme binaire

Ce formulaire utilise deux sections ( AB …), chacune souvent répétée ( AABB …). Dans la musique classique occidentale du XVIIIe siècle, la forme «binaire simple» était souvent utilisée pour les danses et portait avec elle la convention selon laquelle les deux sections devaient être dans des clés musicales différentes mais avec le même rythme, la même durée et le même ton. L’alternance de deux airs donne assez de variété pour permettre une danse aussi longue que désirée.

Forme ternaire

Ce formulaire a trois parties. Dans la musique classique occidentale, une forme ternaire simple a une troisième section qui est une récapitulation de la première ( ABA ). Souvent, la première section est répétée ( AABA ). Cette approche était populaire dans l’ aria d’ opéra du 18ème siècle , [la citation nécessaire ] et a été appelée da capo (c.-à-d. «Répéter du haut») forme. Plus tard, il a donné naissance à la chanson de 32 mesures , avec la section B alors souvent appelée «huit du milieu». Une chanson a plus besoin qu’une danse d’une forme autonome avec un début et une fin de cours.

Rondo forme

Cette forme a un thème récurrent alternant avec différentes sections (généralement contrastées) appelées “épisodes”. Il peut être asymétrique ( ABACADAEA ) ou symétrique ( ABACABA ). Une section récurrente, en particulier le thème principal, est parfois plus complètement variée, ou bien un épisode peut être un “développement” de celui-ci. Un arrangement similaire est la forme ritornello du concerto grosso baroque . La forme d’arc ( ABCBA ) ressemble à un rondo symétrique sans répétitions intermédiaires du thème principal. Il est normalement utilisé dans un tour.

Forme variationnelle

Les formes variationnelles sont celles dans lesquelles la variation est un élément formatif important.

Thème et Variations : un thème , lui-même de forme plus courte (binaire, ternaire, etc.), forme la seule “section” et se répète indéfiniment (sous forme strophique) mais varie à chaque fois (A, B , A, F, Z, A), de manière à faire une sorte de forme de chaîne en coupe. Une variante importante de celle-ci, très utilisée dans la musique britannique du 17ème siècle et dans la Passacaille et la Chaconne , était celle de la basse – un thème de basse répétitif ou un basso ostinato autour duquel le reste de la structure se déroule, souvent, mais pas toujours, filer des fils polyphoniques ou contrapuntiques , ou improviser desdivisions etdescants . Ceci est dit par Scholes (1977) pour être la forme par excellence de musique instrumentale solo non accompagnée ou accompagnée. Le Rondo est souvent trouvé avec des sections variées ( AA 1 BA 2 CA 3 BA 4 ) ou ( ABA 1 CA 2 B 1 A ).

Forme de développement

Les formes développementales sont construites directement à partir d’unités plus petites, telles que des motifs . Une pièce classique bien connue avec un motif est la cinquième symphonie de Beethoven , qui commence par trois courtes notes répétées et ensuite une longue note. Dans les pièces classiques qui sont basées sur des motifs, le motif est généralement combiné, varié et élaboré de différentes manières, ayant peut-être un fondement symétrique ou arqué et un développement progressif du début à la fin. De loin la forme développementale la plus importante de la musique classique occidentale est la forme sonate . Cette forme, également connue sous le nom de forme sonate, forme premier mouvement, composée binaire, ternaire et une variété d’autres noms, [ exemple nécessaire ]développé à partir du mouvement de danse formé binaire décrit ci-dessus, mais est presque toujours jeté dans une plus grande forme ternaire ayant les subdivisions nominales de Exposition, Développement et Récapitulation . Habituellement, mais pas toujours, les parties “A” ( Exposition et Récapitulation , respectivement) peuvent être subdivisées en deux ou trois thèmes ou groupes de thèmes qui sont séparés et recombinés pour former la partie “B” (le développement ) – ainsi par exemple ( AabB [dev de a et / ou b] A 1 ab 1+ coda). Cette forme de développement est généralement limitée à certaines parties de la pièce, comme la section centrale du premier mouvement d’une sonate, bien que des compositeurs du 19ème siècle comme Berlioz, Liszt et Wagner aient fait de vaillants efforts pour dériver purement ou principalement du motif.

Performance

Une performance peut être planifiée et répétée (pratiquée) – ce qui est la norme dans la musique classique, avec de grands groupes de jazz et de nombreux styles de musique populaires – ou improvisée sur une progression d’accords (une séquence d’accords) groupes de jazz et de blues . Répétitions d’orchestres, de groupes de concerts et de choralessont dirigés par un conducteur. Les groupes de rock, de blues et de jazz sont généralement dirigés par le chef d’orchestre. Une répétition est une répétition structurée d’une chanson ou d’un morceau par les interprètes jusqu’à ce qu’elle puisse être chantée et / ou jouée correctement et, si c’est une chanson ou une pièce pour plus d’un musicien, jusqu’à ce que les parties soient synchronisées. . L’improvisation est la création d’une idée musicale – une mélodie ou une autre ligne musicale – créée sur place, souvent basée sur des échelles ou des riffs mélodiques préexistants .

De nombreuses cultures ont une forte tradition de performance soliste (dans laquelle un chanteur ou un instrumentiste joue), comme dans la musique classique indienne, et dans la tradition musicale occidentale. D’autres cultures, comme à Bali , incluent de fortes traditions de performance de groupe. Toutes les cultures comprennent un mélange des deux, et la performance peut aller du jeu solo improvisé à des spectacles hautement planifiés et organisés tels que le concert classique moderne, les processions religieuses, les festivals de musique classique ou les compétitions musicales . La musique de chambre , qui est de la musique pour un petit ensemble avec seulement quelques-uns de chaque type d’instrument, est souvent considérée comme plus intime que les grandes œuvres symphoniques.

Tradition orale et orale

De nombreux types de musique, tels que le blues traditionnel et la musique folklorique, n’étaient pas inscrits dans des partitions ; au lieu de cela, ils étaient à l’origine conservés dans la mémoire des interprètes, et les chansons étaient transmises oralement , d’un musicien ou d’un chanteur à un autre, ou à l’oreille, dans lequel un interprète apprend une chanson « à l’oreille ». Lorsque le compositeur d’une chanson ou d’un morceau n’est plus connu, cette musique est souvent classée comme “traditionnelle” ou comme “chanson folklorique”. Différentes traditions musicales ont des attitudes différentes sur comment et où faire des changements au matériel original, de très strict, à ceux qui demandent l’improvisation ou la modification de la musique. Une culture’

Ornementation

En musique, un “ornement” est une décoration d’une mélodie, d’une ligne de basse ou d’une autre partie musicale. Le détail inclus explicitement dans la notation musicale varie entre les genres et les périodes historiques. En général, la notation de la musique d’art du XVIIe au XIXe siècle exigeait que les interprètes aient beaucoup de connaissances contextuelles sur les styles d’exécution. Par exemple, aux 17e et 18e siècles, la musique notée pour les artistes solistes indiquait généralement une mélodie simple et sans fioritures. Cependant, les artistes devaient savoir comment ajouter des ornements stylistiquement appropriés pour ajouter de l’intérêt à la musique, comme les trilles et les tours .

Au 19ème siècle, la musique d’art pour les interprètes solos peut donner une instruction générale telle que pour exécuter la musique expressivement, sans décrire en détail comment l’interprète devrait faire ceci. L’artiste devait savoir comment utiliser les changements de tempo, l’ accentuation et les pauses (entre autres dispositifs) pour obtenir ce style de performance «expressif». Au XXe siècle, la notation de la musique d’art devient souvent plus explicite et utilise une série de marquages ​​et d’annotations pour indiquer aux interprètes comment ils doivent jouer ou chanter la pièce.

Dans la musique populaire et le jazz, la notation musicale indique presque toujours le cadre de base de la mélodie, de l’harmonie ou de la performance. les musiciens et les chanteurs doivent connaître les conventions de performance et les styles associés à des genres et à des pièces spécifiques. Par exemple, la ” feuille de plomb ” pour un air de jazz peut seulement indiquer la mélodie et les changements d’accords. On s’attend à ce que les interprètes de l’ ensemble de jazz sachent «étoffer» cette structure de base en ajoutant des ornements, de la musique improvisée et un accompagnement en accord.

Philosophie et esthétique

La philosophie de la musique est un sous-domaine de la philosophie. La philosophie de la musique est l’étude des questions fondamentales concernant la musique. L’étude philosophique de la musique a de nombreux rapports avec des questions philosophiques en métaphysique et esthétique . Quelques questions fondamentales dans la philosophie de la musique sont:

• Quelle est la définition de la musique ? (Quelles sont les conditions nécessaires et suffisantes pour classer quelque chose comme de la musique?)
• Quelle est la relation entre la musique et l’esprit?
• Que nous révèle l’histoire de la musique sur le monde?
• Quel est le lien entre la musique et les émotions?
• Qu’est-ce que le sens par rapport à la musique?

Dans les temps anciens, comme avec les Grecs anciens , l’esthétique de la musique a exploré les dimensions mathématiques et cosmologiques de l’organisation rythmique et harmonique. Au XVIIIe siècle, l’attention s’est portée sur l’expérience de l’écoute de la musique, et donc sur la beauté et la jouissance humaine ( plaisir et jouissance ) de la musique. L’origine de ce changement philosophique est parfois attribuée à Baumgarten au XVIIIe siècle, suivi par Kant. Par leur écriture, le terme ancien «esthétique», signifiant la perception sensorielle, a reçu sa connotation actuelle. Dans les années 2000, les philosophes ont eu tendance à mettre l’accent sur des questions autres que la beauté et le plaisir. Par exemple, la capacité de la musique à exprimer ses émotions a été un problème central.

Au XXe siècle, des contributions importantes ont été faites par Peter Kivy , Jerrold Levinson , Roger Scruton et Stephen Davies . Cependant, de nombreux musiciens, critiques musicaux et autres non-philosophes ont contribué à l’esthétique de la musique. Au 19ème siècle, un débat important a surgi entre Eduard Hanslick , un critique musical et musicologue, et le compositeur Richard Wagner concernant si la musique peut exprimer le sens. Harry Partch et d’autres musicologues , tels que Kyle Gann , ont étudié et essayé de populariser la musique microtonale et l’utilisation de musique alternative.échelles musicales . Aussi beaucoup de compositeurs modernes comme La Monte Young , Rhys Chatham et Glenn Branca ont accordé beaucoup d’attention à une échelle appelée juste intonation .

On pense souvent que la musique a la capacité d’affecter nos émotions , notre intellect et notre psychologie ; il peut apaiser notre solitude ou inciter nos passions. Le philosophe Platon suggère dans la République que la musique a un effet direct sur l’âme. Par conséquent, il propose que dans le régime idéal la musique serait étroitement réglementée par l’état. (Livre VII)

Il y a eu une forte tendance dans l’esthétique de la musique à souligner l’importance primordiale de la structure compositionnelle; cependant, d’autres questions concernant l’esthétique de la musique incluent le lyrisme , l’ harmonie , l’ hypnotisme , l’ émotivité , la dynamique temporelle , la résonance , le jeu et la couleur (voir aussi le développement musical ).

Psychologie

La psychologie de la musique moderne vise à expliquer et à comprendre le comportement et l’ expérience musicale . [55] Les recherches dans ce domaine et ses sous-domaines sont essentiellement empiriques ; leurs connaissances ont tendance à progresser sur la base des interprétations des données recueillies par l’ observation systématique et l’interaction avec les participants humains . En plus de mettre l’accent sur les perceptions fondamentales et les processus cognitifs, la psychologie musicale est un domaine de recherche pertinent dans de nombreux domaines, notamment la performancemusicale , la composition , l’ éducation , la critique et la thérapie.ainsi que des recherches sur les aptitudes , les compétences, l’ intelligence , la créativité et le comportement social de l’être humain .

Neuroscience cognitive de la musique

La neuroscience cognitive de la musique est l’étude scientifique des mécanismes cérébraux impliqués dans les processus cognitifs sous-jacents à la musique. Ces comportements comprennent l’écoute de la musique, l’interprétation, la composition, la lecture, l’écriture et les activités auxiliaires. Il s’intéresse également de plus en plus à la base cérébrale de l’esthétique musicale et de l’émotion musicale. Le domaine se distingue par sa dépendance aux observations directes du cerveau, en utilisant des techniques telles que l’imagerie par résonance magnétique fonctionnelle (IRMf), la stimulation magnétique transcrânienne (TMS), la magnétoencéphalographie (MEG), l’ électroencéphalographie (EEG) et la tomographie par émission de positrons (TEP) .

Musicologie cognitive

La musicologie cognitive est une branche de la science cognitive qui s’intéresse à la modélisation informatique des connaissances musicales dans le but de comprendre à la fois la musique et la cognition. [56] L’utilisation des modèles informatiques fournit un moyen interactif et exigeant dans lequel formuler et tester des théories et a des racines dans l’ intelligence artificielle et la science cognitive . [57]

Ce domaine interdisciplinaire étudie des sujets tels que les parallèles entre la langue et la musique dans le cerveau. Les modèles de calcul biologiquement inspirés sont souvent inclus dans la recherche, tels que les réseaux de neurones et les programmes évolutifs. [58] Ce champ cherche à modéliser la façon dont la connaissance musicale est représentée, stockée, perçue, réalisée et générée. En utilisant un environnement informatique bien structuré, les structures systématiques de ces phénomènes cognitifs peuvent être étudiées. [59]

Psychoacoustique

La psychoacoustique est l’étude scientifique de la perception sonore. Plus spécifiquement, c’est la branche de la science qui étudie les réponses psychologiques et physiologiques associées au son (y compris la parole et la musique). Il peut être davantage classé comme une branche de la psychophysique .

Musicologie évolutive

La musicologie évolutionniste concerne «les origines de la musique, la question du chant animal, les pressions de sélection qui sous-tendent l’évolution de la musique» et «l’évolution de la musique et l’évolution humaine». [60] Il cherche à comprendre la perception et l’activité de la musique dans le contexte de la théorie de l’ évolution . Charles Darwin a spéculé que la musique peut avoir lieu un avantage adaptatif et fonctionné comme protolangage , [61] une vue qui a donné naissance à plusieurs théories concurrentes de l’ évolution de la musique. [62] [63] [64] Un regard alternatif voit la musique comme un sous-produit de l’ évolution linguistique ; un type de «cheesecake auditif» qui satisfait les sens sans fournir aucune fonction adaptative.[65] Cette opinion a été directement contrée par de nombreux chercheurs en musique. [66] [67] [68]

Culture dans la cognition musicale

La culture ou l’ appartenance ethnique d’ un individu joue un rôle dans sa cognition musicale , y compris ses préférences , sa réaction émotionnelle et sa mémoire musicale . Les préférences musicales sont orientées vers des traditions musicales culturellement connues dès l’enfance, et la classification par les adultes de l’émotion d’une pièce musicale dépend à la fois de caractéristiques structurelles culturellement spécifiques et universelles. [69] [70] En outre, les capacités de mémoire musicale des individus sont plus grandes pour la musique culturellement familière que pour la musique culturellement peu familière. [71] [72]

Aspects sociologiques

De nombreuses études ethnographiques démontrent que la musique est une activité communautaire participative. [73] [74] La musique est vécue par des individus dans un éventail de contextes sociaux allant de la solitude à la participation à un grand concert, formant une communauté musicale , qui ne peut être comprise en fonction de la volonté individuelle ou de l’accident; il comprend à la fois des participants commerciaux et non commerciaux avec un ensemble commun de valeurs communes. Les performances musicales prennent des formes différentes selon les cultures et les milieux socio-économiques. En Europe et en Amérique du Nord, il existe souvent un fossé entre les types de musique perçus comme « haute culture » et « culture basse ».Les musiques de «haute culture» comprennent généralement de la musique occidentale, comme des symphonies, des concertos et des œuvres solos baroques, classiques, romantiques et modernes, et sont généralement entendues dans des concerts officiels dans des salles de concert et des églises. assis tranquillement dans les sièges.

D’autres types de musique – y compris, mais sans s’y limiter, le jazz, le blues, la soul et la country – sont souvent joués dans les bars, les boîtes de nuit et les théâtres, où le public peut boire, danser et s’exprimer. Jusqu’à la fin du XXe siècle, la distinction entre les formes musicales «hautes» et «basses» était largement admise comme distinction valable séparant les «musiques d’art» de meilleure qualité et plus avancées des styles de musique populaires entendus dans les bars et les dancings.

Cependant, dans les années 1980 et 1990, les musicologues qui étudiaient cette division perçue entre les genres musicaux «élevés» et «inférieurs» affirment que cette distinction n’est pas fondée sur la valeur musicale ou la qualité des différents types de musique. [la citation nécessaire ] Plutôt, ils ont soutenu que cette distinction était basée en grande partie sur la position socio – économique ou la classe sociale des interprètes ou le public des différents types de musique. [la citation nécessaire ] Par exemple, alors que le public pour les concerts symphoniques classiques ont typiquement des revenus au-dessus de la moyenne, le public pour un concert de rap dans une zone de centre-ville peut avoir des revenus inférieurs à la moyenne. [la citation nécessaire ]Même si les artistes, les auditoires ou les lieux où de la musique non artistique sont joués peuvent avoir un statut socioéconomique inférieur, la musique jouée, comme le blues, le rap, le punk , le funk ou le ska, peut être très complexe et sophistiquée.

Lorsque les compositeurs introduisent des styles de musique qui rompent avec la convention, il peut y avoir une forte résistance de la part des experts de la musique académique et de la culture populaire. Les quatuors à cordes Beethoven de la fin de la période, les partitions de ballet Stravinsky, le sérialisme , le bebop -era jazz, le hip hop, le punk rock et l’ electronica ont été considérés comme non musicaux par certains critiques lorsqu’ils ont été présentés. [la citation nécessaire ] De tels thèmes sont examinés dans la sociologie de la musique. L’étude sociologique de la musique, parfois appelée sociomusicologie , est souvent poursuivie dans les départements de sociologie, d’études médiatiques ou de musique, et est étroitement liée au domaine de l’ ethnomusicologie .

Rôle des femmes

Les femmes ont joué un rôle majeur dans la musique à travers l’ histoire, en tant que compositeurs, auteurs – compositeurs, instrumentistes , chanteurs, chefs d’ orchestre, spécialistes de la musique , les professeurs de musique , critiques de musique / journalistes de musique et d’ autres métiers de la musique. De plus, il décrit les mouvements musicaux, les événements et les genres liés aux femmes, les questions féminines et le féminisme . Dans les années 2010, alors que les femmes représentent une part importante des chanteurs de musique populaire et de musique classique, et qu’une proportion significative d’auteurs-compositeurs (dont beaucoup sont des auteurs-compositeurs-interprètes), peu de femmes réalisatrices, critiques rocket des instrumentistes rock. Bien qu’il y ait eu un grand nombre de compositrices dans la musique classique, de la période médiévale à nos jours, les femmes compositrices sont nettement sous-représentées dans le répertoire musical classique , les manuels d’histoire de la musique et les encyclopédies musicales; par exemple, dans le Concise Oxford History of Music , Clara Schumann est l’une des seules compositrices féminines mentionnées.

Les femmes constituent une part importante des solistes instrumentaux dans la musique classique et le pourcentage de femmes dans les orchestres augmente. Un article paru en 2015 sur les solistes de concerto dans les grands orchestres canadiens indiquait toutefois que 84% des solistes de l’ Orchestre Symphonique de Montréal étaient des hommes. En 2012, les femmes ne représentaient que 6% de l’ orchestre philharmonique de Vienne . Les femmes sont moins courantes en tant qu’acteurs instrumentaux dans les genres musicaux populaires tels que le rock et le heavy metal , bien qu’il y ait eu un certain nombre de femmes instrumentistes féminines et de groupes exclusivement féminins . Les femmes sont particulièrement sous-représentées dans les genres de metal extrêmes . [75]Dans la scène de la musique pop des années 1960, “[l] ‘la plupart des aspects de l’industrie de la musique [dans les années 1960], l’écriture de chansons était un domaine dominé par les hommes, même s’il y avait beaucoup de chanteuses à la radio. On les voyait principalement comme des consommateurs: […] chanter était parfois un passe-temps acceptable pour une fille, mais jouer d’un instrument, écrire des chansons ou produire des disques n’était tout simplement pas fait. [76] Les jeunes femmes «… n’étaient pas socialisées pour se voir comme des personnes qui créent [de la musique]». [76]

Les femmes sont également sous-représentées dans la direction d’orchestre, la critique musicale / le journalisme musical , la production musicale et l’ingénierie sonore . Tandis que les femmes étaient découragées de composer au 19ème siècle, et il y a peu de femmes musicologues , les femmes se sont engagées dans l’éducation musicale “… à tel point que les femmes ont dominé [ce domaine] pendant la seconde moitié du 19ème siècle. le 20ème siècle.” [77]

Selon Jessica Duchen, une auteure de musique pour The Independent de Londres , les femmes musiciens de la musique classique sont “… trop souvent jugées pour leurs apparences plutôt que pour leur talent” et elles font face à la pression “… de paraître sexy sur scène et en photos ” [78] Duchen affirme que «[c ] ettefois, ce sont des femmes qui refusent de jouer sur leur apparence […] celles qui ont tendance à avoir plus de succès matériel». [78] Selon Radio 3 éditeur, Edwina Wolstencroft, l’industrie de la musique a ouvert depuis longtemps au Royaume – Uni d’avoir des femmes dans la performance ou des rôles de divertissement, mais les femmes sont beaucoup moins susceptibles d’avoir des postes d’autorité, comme étant le chef d’orchestre . [79]Dans la musique populaire, alors qu’il y a beaucoup de chanteuses qui enregistrent des chansons, il y a très peu de femmes derrière la console audio qui agissent en tant que producteurs de musique, les personnes qui dirigent et gèrent le processus d’enregistrement. [80] Un des artistes les plus enregistrés est Asha Bhosle , un chanteur indien plus connu en tant que chanteur de playback dans le cinéma Hindi. [la citation nécessaire ]

Médias et technologie

La musique que font les compositeurs peut être entendue à travers plusieurs médias; la façon la plus traditionnelle est d’entendre en direct, en présence des musiciens (ou comme l’ un des musiciens), dans un espace extérieur ou intérieur, comme un amphithéâtre, salle de concert , cabaret salle ou théâtre . Depuis le 20ème siècle, la musique live peut aussi être diffusée à la radio, à la télévision ou sur Internet, ou enregistrée et écoutée sur un lecteur de CDou lecteur MP3. Certains styles musicaux se concentrent sur la production d’un son pour une performance, tandis que d’autres se concentrent sur la production d’un enregistrement qui mélange des sons qui n’ont jamais été joués “en direct”. L’enregistrement, même de styles essentiellement vivants tels que le rock, utilise souvent la capacité d’éditer et d’épisser pour produire des enregistrements qui peuvent être considérés comme «meilleurs» que la performance réelle.

La technologie a eu une influence sur la musique depuis la préhistoire, lorsque les hommes des cavernes ont utilisé des outils simples pour forer des trous dans les flûtes d’os il y a 41 000 ans. La technologie a continué à influencer la musique tout au long de l’histoire de la musique car elle a permis d’utiliser de nouveaux instruments et systèmes de reproduction de partitions musicales, l’un des moments décisifs de la notation musicale étant l’invention de l’ imprimerie des années 1400. plus longtemps devait être copié à la main. Au 19ème siècle, la technologie musicale a conduit au développement d’un piano plus puissant et plus puissant et a conduit au développement de nouveaux instruments à cuivres. Au début du 20ème siècle (à la fin des années 1920), comme des images parlantesAu début du 20ème siècle, avec leurs pistes musicales préenregistrées, un nombre croissant de musiciens d’orchestre de cinéma se sont retrouvés sans travail. [81] Au cours des années 1920 spectacles musicaux en direct par des orchestres, pianistes et organistes de théâtre étaient au courant des théâtres en première diffusion. [82] Avec la venue des films parlants, ces performances ont été largement éliminées. L’ American Federation of Musicians (AFM) a publié des publicités dans les journaux pour protester contre le remplacement des musiciens en direct par des appareils mécaniques. Une publicité de 1929 parue dans la presse de Pittsburghprésente une image d’une canette étiquetée «Canned Music / Big Noise Brand / Garanti pour produire aucune réaction intellectuelle ou émotionnelle, peu importe» [83]

Depuis l’entrée en vigueur d’une législation visant à protéger les artistes, compositeurs, éditeurs et producteurs, notamment la loi de 1992 sur l’ enregistrement audio aux États-Unis et la Convention de Berne révisée de 1979 pour la protection des œuvres littéraires et artistiques au Royaume-Uni. sont également devenus plus accessibles via les ordinateurs, les appareils et Internet sous une forme communément appelée Music-On-Demand .

Dans de nombreuses cultures, il y a moins de distinction entre jouer et écouter de la musique, puisque pratiquement tout le monde est impliqué dans une sorte d’activité musicale, souvent communautaire. Dans les pays industrialisés, l’écoute de la musique par le biais d’une forme enregistrée, comme l’enregistrement sonore ou le visionnage d’un vidéoclip, est devenue plus courante que la performance en direct, à peu près au milieu du XXe siècle.

Parfois, les performances en direct intègrent des sons préenregistrés. Par exemple, un disc-jockey utilise des disques pour gratter , et certaines œuvres du XXe siècle ont un solo pour un instrument ou une voix qui est joué avec de la musique préenregistrée sur une bande. Les ordinateurs et de nombreux claviers peuvent être programmés pour produire et jouer de la musique d’interface numérique de musique (MIDI). Les spectateurs peuvent également devenir des artistes en participant au karaoké, une activité d’origine japonaise centrée sur un appareil qui joue des versions éliminées par la voix de chansons connues. La plupart des machines de karaoké ont aussi des écrans vidéo qui montrent les paroles des chansons en cours d’exécution; les interprètes peuvent suivre les paroles en chantant sur les pistes instrumentales.

l’Internet

L’avènement d’Internet et l’accès large bande à grande vitesse ont transformé l’expérience de la musique, en partie grâce à la facilité accrue d’accès à des enregistrements de musique via la vidéo en continu et un choix de musique largement accru pour les consommateurs. Chris Anderson , dans son livre The Long Tail: Pourquoi l’avenir des entreprises vend moins de plus , suggère que si le modèle économique traditionnel de l’ offre et de la demande décrit la rareté, le modèle de vente au détail sur Internet repose sur l’abondance. Stockage numériqueles coûts sont faibles, de sorte qu’une entreprise peut se permettre de mettre en ligne l’ensemble de son inventaire d’enregistrements, offrant ainsi aux clients le plus de choix possible. Il est donc devenu économiquement viable d’offrir des enregistrements musicaux qui intéressent peu de gens. La prise de conscience croissante des consommateurs de leur choix accru entraîne une association plus étroite entre les goûts d’écoute et l’identité sociale et la création de milliers de marchés de niche . [84]

Un autre effet de l’Internet est survenu avec les communautés en ligne et les sites de médias sociaux comme YouTube et Facebook, un service de réseautage social . Ces sites permettent aux aspirants chanteurs et groupes amateurs de distribuer des vidéos de leurs chansons, de communiquer avec d’autres musiciens et de susciter l’intérêt du public. Les musiciens professionnels utilisent également YouTube en tant qu’éditeur gratuit de matériel promotionnel. Les utilisateurs de YouTube, par exemple, ne téléchargent et n’écoutent plus que des fichiers MP3, mais créent aussi activement les leurs. Selon Don Tapscott et Anthony D. Williams , dans leur livre Wikinomics , on est passé d’un rôle de consommateur traditionnel à ce qu’ils appellent un « prosommateur ».«Rôle, un consommateur qui crée à la fois le contenu et consomme. Les manifestations de cette musique incluent la production de purées , des remixes et des vidéos de musique par les fans. [85]

Entreprise

L’industrie de la musique fait référence aux entreprises liées à la création et à la vente de musique. Il est composé de compositeurs et de compositeurs qui créent de nouvelles chansons et pièces musicales, des producteurs de musique et des ingénieurs du son qui enregistrent des chansons et des pièces, des maisons de disques et des éditeurs qui distribuent des produits musicaux enregistrés et des partitions. Certains labels de musique sont « indépendants », tandis que d’autres sont des filiales de grandes entreprises ou de groupes de médias internationaux . Dans les années 2000, la popularité croissante de l’écoute de la musique en tant que fichiers musicaux numériques sur des lecteurs MP3, des iPods ou des ordinateurs, et de l’échange de musique sur le partage de fichierssites Web ou l’achat en ligne sous la forme de fichiers numériques ont eu un impact majeur sur les activités de musique traditionnelle. Beaucoup de petits magasins de disques indépendants ont cessé leurs activités à mesure que les acheteurs de musique réduisaient leurs achats de disques compacts, et que de nombreuses étiquettes avaient des ventes plus faibles. Certaines entreprises ont bien fait avec le passage à un format numérique, comme iTunes d’Apple , un magasin de musique en ligne qui vend des fichiers numériques de chansons sur Internet.

Lois sur la propriété intellectuelle

En dépit de certains traités internationaux sur le droit d’auteur , la détermination de la musique qui est dans le domaine public est compliquée par la variété des lois nationales sur le droit d’auteur qui peuvent être applicables. La loi américaine sur le droit d’auteur protégeait la musique imprimée après 1923 et la renouvelait pour 28 ans, mais la loi sur le droit d’auteur de 1976 a automatiquement fait reconduire le texte, et le Digital Millennium Copyright Act a modifié le calcul du copyright à 70 ans. du créateur. Le son enregistré relève de l’octroi de licences mécaniques , souvent couvertes par une mosaïque confuse de lois étatiques; la plupart des versions de couverturesont autorisés par l’intermédiaire de l’ Agence Harry Fox . Les droits de performance peuvent être obtenus par les artistes ou le lieu de représentation; Les deux principales organisations pour l’octroi de licences sont BMI et ASCAP . Deux sources en ligne pour la musique du domaine public sont IMSLP (International Music Score Library Project) et Choral Public Domain Library (CPDL) .

Éducation

Non professionnel

L’intégration de certains cours de musique ou de chant dans l’enseignement général de l’éducation préscolaire à l’éducation postsecondaire est courante en Amérique du Nord et en Europe. L’implication dans le jeu et le chant est censée enseigner des compétences de base telles que la concentration, le comptage , l’écoute et la coopération tout en favorisant la compréhension du langage , en améliorant la capacité de se rappeler l’ information et en créant un environnement plus propice à l’apprentissage. [86] Dans les écoles élémentaires, les enfants apprennent souvent à jouer d’instruments tels que l’ enregistreur, chante dans de petites chorales et apprend l’histoire de la musique occidentale et de la musique traditionnelle. Certains élèves de l’école primaire apprennent également sur les styles de musique populaires. Dans les écoles religieuses, les enfants chantent des hymnes et d’autres musiques religieuses. Dans les écoles secondaires (et moins souvent dans les écoles élémentaires), les élèves peuvent avoir l’occasion de jouer dans des ensembles musicaux tels que chorales (groupe de chanteurs), fanfares , orchestres de concert , orchestres de jazz ou orchestres. Dans certains systèmes scolaires, des cours de musique sur la façon de jouer des instruments peuvent être dispensés. Certains étudiants prennent également des cours de musique privésaprès l’école avec un professeur de chant ou un professeur d’instrument. Les musiciens amateurs apprennent généralement des rudiments musicaux de base (par exemple, apprendre la notation musicale pour les échelles et les rythmes musicaux ) et des techniques de chant ou de jeu d’instruments de niveau débutant à intermédiaire.

Au niveau universitaire, les étudiants de la plupart des programmes d’arts et sciences humaines peuvent recevoir des crédits pour suivre quelques cours de musique, qui prennent généralement la forme d’un cours sur l’ histoire de la musique ou d’un cours d’ appréciation de la musique. à propos de différents styles musicaux. En outre, la plupart des universités nord-américaines et européennes ont des types d’ensembles musicaux auxquels les étudiants en arts et en sciences humaines peuvent participer, tels que des chorales, des fanfares, des orchestres de concert ou des orchestres. L’étude de la musique d’art occidentale est de plus en plus commune en dehors de l’Amérique du Nord et de l’Europe, comme l’ Institut indonésien des Arts de Yogyakarta ,Indonésie , ou les programmes de musique classique qui sont disponibles dans les pays asiatiques tels que la Corée du Sud, le Japon et la Chine. Dans le même temps, les universités et collèges occidentaux élargissent leur programme d’études pour inclure la musique de cultures non occidentales, telles que la musique de l’Afrique ou de Bali (par exemple la musique Gamelan ).

Formation professionnell

Les personnes désirant devenir musiciens professionnels, chanteurs, compositeurs, auteurs-compositeurs, professeurs de musique et praticiens d’autres professions musicales comme les professeurs d’ histoire de la musique , les ingénieurs du son et ainsi de suite étudier dans des programmes postsecondaires spécialisés offerts par les collèges, universités et conservatoires. . Certaines institutions qui forment des individus pour des carrières en musique offrent une formation dans un large éventail de professions, comme c’est le cas avec plusieurs des meilleures universités américaines, qui offrent des diplômes en performance musicale (y compris les instruments de chant), histoire de la musique, composition musicale, éducation musicale(pour les personnes qui souhaitent devenir professeurs de musique au primaire ou au secondaire) et, dans certains cas, diriger. D’un autre côté, certains petits collèges ne peuvent offrir qu’une formation dans une seule profession (par exemple, l’enregistrement sonore ).

Alors que la plupart des programmes musicaux universitaires et conservatoires se concentrent sur la formation des étudiants en musique classique, plusieurs universités et collèges forment des musiciens pour des carrières de jazz ou de musique populaire et des compositeurs, avec des exemples américains notables comme la Manhattan School of Music et la Berklee. Collège de Musique . Deux écoles importantes au Canada offrant une formation professionnelle en jazz sont l’Université McGillet le Collège Humber . Individus visant à des carrières dans certains types de musique, tels que la musique heavy metal , la musique country ou le bluessont moins susceptibles de devenir des professionnels en complétant des diplômes ou des diplômes dans des collèges ou des universités. Au lieu de cela, ils apprennent généralement leur style de musique en chantant et / ou en jouant dans de nombreux groupes (en commençant souvent par des groupes amateurs, des reprises et des groupes ), en étudiant des CD, DVD et Internet et en travaillant avec des professionnels. dans leur style de musique, soit par le mentorat informel ou des leçons de musique régulières . Depuis les années 2000, la popularité croissante et la disponibilité des forums Internet et des vidéos «how-to» YouTube ont permis à de nombreux chanteurs et musiciens du metal, du blues et d’autres genres similaires d’améliorer leurs compétences. Beaucoup de chanteurs pop, rock et country s’entraînent de manière informelleentraîneurs vocaux et professeurs de chant .

Premier cycle

Les diplômes universitaires de premier cycle en musique, y compris le baccalauréat en musique , le baccalauréat en éducation musicale et le baccalauréat en arts (avec une majeure en musique) prennent généralement environ quatre ans à compléter. Ces diplômes permettent aux étudiants de se familiariser avec la théorie musicale et l’histoire de la musique, et de nombreux étudiants étudient également un instrument ou apprennent la technique du chant dans le cadre de leur programme. Les diplômés des programmes de musique de premier cycle peuvent chercher un emploi ou poursuivre leurs études dans des programmes d’études supérieures en musique. Les diplômés de baccalauréat sont également admissibles à certains programmes d’études supérieures et écoles professionnelles en dehors de la musique (par exemple, l’ administration publique , administration des affaires , la bibliothéconomieEt, dans certaines juridictions, le collège de l’ enseignant , l’ école de droit ou école de médecine ).

Diplômé

Les diplômes de musique comprennent le Master of Music , le Master of Arts (en musicologie, théorie de la musique ou autre domaine de la musique), le Doctor of Philosophy (Ph.D.) (par ex. En musicologie ou théorie de la musique), et plus récemment, Docteur en arts musicaux , ou DMA. Le Master of Music, qui dure de un à deux ans, est généralement attribué aux étudiants qui étudient la performance d’un instrument, l’éducation, la voix (chant) ou la composition. Le Master of Arts, qui dure de un à deux ans pour compléter et nécessite souvent une thèse , est généralement décerné aux étudiants qui étudient la musicologie, l’histoire de la musique, la théorie musicale ou l’ethnomusicologie.

Le doctorat, qui est exigé pour les étudiants qui veulent travailler en tant que professeurs universitaires en musicologie, histoire de la musique, ou théorie musicale, prend trois à cinq années d’études après la maîtrise, durant lesquelles l’étudiant terminera des cours avancés et entreprendra des recherches pour une dissertation. Le DMA est un diplôme relativement nouveau qui a été créé pour fournir un titre de compétence pour les artistes professionnels ou compositeurs qui veulent travailler comme professeurs d’université dans la performance musicale ou la composition. Le DMA prend trois à cinq ans après une maîtrise, et comprend des cours avancés, des projets et des performances. Au Moyen-Age, l’étude de la musique était l’un des Quadrivium des sept arts libérauxet considéré comme vital pour l’apprentissage supérieur. Au sein du Quadrivium quantitatif, la musique, ou plus exactement les harmoniques , était l’étude des proportions rationnelles.

Musicologie

La musicologie , l’étude académique du sujet de la musique, est étudiée dans les universités et les conservatoires de musique. Les définitions les plus anciennes du XIXe siècle définissaient trois sous-disciplines de la musicologie: la musicologie systématique , la musicologie historique et la musicologie comparative ou l’ ethnomusicologie . En bourse 2010 de l’ époque, on est plus susceptible de rencontrer une division de la discipline dans la théorie de la musique , histoire de la musique et ethnomusicologie . La recherche en musicologie a souvent été enrichie par un travail interdisciplinaire, par exemple dans le domaine de la psychoacoustique. L’étude de la musique des cultures non occidentales et l’étude culturelle de la musique s’appellent ethnomusicologie. Les étudiants peuvent poursuivre des études de premier cycle en musicologie, en ethnomusicologie, en histoire de la musique et en théorie musicale grâce à différents types de diplômes, y compris des baccalauréats, des maîtrises et des doctorats.

Théorie de la musique

La théorie musicale est l’étude de la musique, généralement de manière très technique en dehors des autres disciplines. Plus généralement, il se réfère à toute étude de la musique, généralement liée à une forme quelconque avec des préoccupations de composition, et peut inclure les mathématiques , la physique et l’ anthropologie . Ce qui est le plus communément enseigné dans les cours de théorie musicale en début de carrière, ce sont des directives pour écrire dans le style de la période de pratique courante , ou de la musique tonale . La théorie, même de la musique de la période de pratique commune, peut prendre beaucoup d’autres formes. La théorie des ensembles musicaux est l’application de la théorie mathématique des ensembles à la musique, d’abord appliquée à la musique atonale .La théorie de la musique spéculative , en contraste avec la théorie de la musique analytique , est consacrée à l’analyse et à la synthèse de matériaux musicaux, par exemple des systèmes de réglage , généralement comme préparation à la composition.

Zoomusicology

Zoomusicology est l’étude de la musique des animaux non humains, ou les aspects musicaux des sons produits par des animaux non-humains. Comme l’a demandé George Herzog (1941), “les animaux ont-ils de la musique?” François-Bernard Mâche ‘s Musique, mythe, nature, ous les Dauphins d’Arion (1983), une étude de “ornitho-musicologique” en utilisant une technique de Nicolas Ruwet ‘ s Langage, musique, poésie (1972) analyse de la segmentation paradigmatique , montre que les chansons d’oiseauxsont organisés selon un principe de répétition-transformation. Jean-Jacques Nattiez (1990) affirme qu ‘”en dernière analyse, c’est un être humain qui décide de ce qui est musical ou non, même si le son n’est pas d’origine humaine.” Si nous reconnaissons que le son n’est pas organisé et conceptualisé (c’est-à-dire, fait pour former de la musique) simplement par son producteur, mais par l’esprit qui le perçoit, alors la musique est uniquement humaine. ”

Ethnomusicologie

En Occident, une grande partie de l’histoire de la musique enseignée traite de la musique d’art de la civilisation occidentale, connue sous le nom de musique classique. L’histoire de la musique dans les cultures non occidentales (« musiques du monde » ou «ethnomusicologie»), qui couvre généralement la musique d’Afrique et d’Asie, est également enseignée dans les universités occidentales. Cela inclut les traditions classiques documentées des pays asiatiques en dehors de l’influence de l’Europe occidentale, ainsi que la musique folklorique ou indigène de diverses autres cultures. Les styles de musique populaire ou populaire dans les pays non occidentaux varient considérablement d’une culture à l’autre et d’une période à l’autre. Différentes cultures ont souligné différents instruments, techniques, styles de chant et usages de la musique. La musique a été utilisée pour le divertissement, les cérémonies, les rituels, les buts religieux et pour la communication pratique et artistique. La musique non occidentale a également été utilisée à des fins de propagande, comme ce fut le cas avec l’opéra chinois pendant la Révolution culturelle .

Il y a une foule de classifications de musique pour la musique non-occidentale, dont beaucoup sont prises dans l’argument sur la définition de la musique . Parmi les plus importants, citons la division entre la musique classique (ou musique «d’art») et la musique populaire (ou musique commerciale – y compris les styles non occidentaux de musique rock, country et pop). Certains genres ne s’intègrent pas parfaitement à l’une de ces classifications de «deux grands» (comme la musique folk , la musique du monde ou la musique liée au jazz ).

À mesure que les cultures du monde sont entrées en contact avec le monde entier , leurs styles musicaux indigènes ont souvent fusionné avec d’autres styles, ce qui produit de nouveaux styles. Par exemple, le style bluegrass des États-Unis contient des éléments de traditions instrumentales et vocales anglo – irlandaises , écossaises, irlandaises, allemandes et africaines, qui ont pu fusionner dans la «société melting pot » multiethnique des États-Unis . Certains types de musiques du monde contiennent un mélange de styles indigènes non occidentaux et d’éléments de musique pop occidentale. Les genres de musique sont autant déterminés par la tradition et la présentation que par la musique actuelle. Certains travaux, comme George Gershwin l »Rhapsody in Blue , sont revendiquéesfois parjazz etmusique classique, alors que de Gershwin Porgy et Bess et Leonard Bernstein de West Side Story sont revendiqués pardeux opéra et la comédie musicale de Broadway tradition. Beaucoup de festivals de musique actuels pour la musique non-occidentale incluent des groupes et des chanteurs d’un genre musical particulier, tel que la musique du monde.

La musique indienne , par exemple, est l’une des formes de musique les plus anciennes et les plus anciennes, et elle est encore largement écoutée et jouée en Asie du Sud, ainsi qu’à l’étranger (surtout depuis les années 1960). La musique indienne a principalement trois formes de musique classique, Hindustani , Carnatic et Dhrupad . Il a également un grand répertoire de styles, qui impliquent seulement de la musique de percussion comme les spectacles de talavadya célèbres en Inde du Sud .

Musicothérapie

La musicothérapie est un processus interpersonnel dans lequel un thérapeute formé utilise la musique et toutes ses facettes – physiques, émotionnelles, mentales, sociales, esthétiques et spirituelles – pour aider les clients à améliorer ou à maintenir leur santé. Dans certains cas, les besoins du client sont adressés directement à travers la musique; dans d’autres, ils sont abordés à travers les relations qui se développent entre le client et le thérapeute. La musicothérapie est utilisée avec des personnes de tout âge et souffrant de diverses affections: troubles psychiatriques, problèmes médicaux, handicaps physiques, déficiences sensorielles, troubles du développement, problèmes de toxicomanie, troubles de la communication, problèmes interpersonnels et vieillissement. Il est également utilisé pour améliorer l’apprentissage, renforcer l’estime de soi, réduire le stress, soutenir l’exercice physiqueet faciliter une foule d’autres activités liées à la santé. Les musicothérapeutes peuvent encourager les clients à chanter, jouer des instruments, créer des chansons ou faire d’autres activités musicales.

L’une des premières mentions de la musicothérapie était dans le traité d’ Al-Farabi (vers 872-950), Meanings of the Intellect , qui décrivait les effets thérapeutiques de la musique sur l’ âme . [87] [ vérification nécessaire ] La musique a longtemps été utilisée pour aider les gens à gérer leurs émotions. Au 17ème siècle, le savant Robert Burton « s The Anatomy of Melancholy ont fait valoir que la musique et la danse étaient critiques dans le traitement de la maladie mentale , en particulier melancholia. [88]Il a noté que la musique a “un excellent pouvoir … pour expulser beaucoup d’autres maladies” et il l’a appelé “un remède souverain contre le désespoir et la mélancolie”. Il a fait remarquer que dans l’Antiquité, Canus, un violoniste rhodien, utilisait la musique pour «faire un homme mélancolique joyeux, … un amant plus amoureux, un homme religieux plus dévot». [89] [90] [91] Dans l’ Empire ottoman , les maladies mentales ont été traitées avec de la musique. [92] En novembre 2006, le Dr Michael J. Crawford [93] et ses collègues ont également découvert que la musicothérapie aidait les patients schizophrènes . [94]

Albert Einstein a toujours aimé la musique (en particulier les œuvres de Bach et de Mozart ) [95], affirmant une fois que la vie sans musique serait inconcevable pour lui. Dans certaines interviews, Einstein a même attribué une grande partie de son intuition scientifique à la musique, son fils Hans racontant que «chaque fois qu’il sentait qu’il était arrivé au bout de la route ou dans une situation difficile dans son travail, il se réfugiait dans la musique, et cela résoudrait habituellement toutes ses difficultés. ” Quelque chose dans la musique, selon Michele et Robert Root-Bernstein dans Psychology Today , “guiderait ses pensées dans des directions nouvelles et créatives.” [96]On a dit qu’Einstein considérait la musique de Mozart comme révélatrice d’une harmonie universelle qu’Einstein croyait exister dans l’univers, “comme si le grand Wolfgang Amadeus ne” créait “pas du tout sa musique magnifiquement claire, mais la découvrait simplement déjà. Parallèlement, remarquablement, les vues d’Einstein sur la simplicité ultime de la nature et son explication et déclaration par des expressions mathématiques essentiellement simples “. [97] Une revue suggère que la musique peut être efficace pour améliorer la qualité subjective du sommeil chez les adultes présentant des symptômes d’insomnie. [98]